"AQUEL TAPADO DE ARMIÑO" (TANGO)

(Pintura: El Greco, "La dama del armiño")




"AQUEL TAPADO DE ARMIÑO"

Lyrics: Manuel Romero
Músic: Enrique Delfino
1928


-Video- por Carlos Gardel (1928)

Aquel tapado de armiño
todo forrado en lamé,
que tu cuerpito abrigaba
al salir del cabaret;
cuando pasaste a mi lado
prendida a aquel gigoló,
aquel tapado de armiño,
cuantas penas me causó.


¿Te acordás? Era el momento
culminante del cariño,
me encontraba yo sin vento,
vos amas el armiño.
Cuántas veces tiritando
los dos junto a la vidriera


me decías suspirando:
¡Ay, mi amor si vos pudieras!
Y yo con mil sacrificios
te lo pude al fin comprar,
mangué amigos, vi usureros
y estuve un mes sin morfar.


Aquel tapado de armiño
todo forrado en lamé,
que tu cuerpito abrigaba
al salir del cabaret;
me resultó al fin y al cabo
más durable que tu amor:
el tapao lo estoy pagando
y tu amor ya se acabó.

"MODIGLIANI" (CINE)

AÑO 2006

DURACIÓN 128 min.

PAÍS UK

DIRECTOR Mick Davis

GUIÓN Mick Davis

MÚSICA Guy Farley

FOTOGRAFÍA Emmanuel Kadosh

REPARTO Andy García, Elsa Zyberstein, Omid Djalili, Hippolyte Girardot, Eva Herzigova, Udo Kier, Susie Amy, Miriam Margolyes, Lance Henriksen



Año 1919. La Gran Guerra ha acabado y el café Rotonde se ha convertido en el refugio de la élite artística: Picasso, Rivera, Stein, Cocteau, Soutine, Modigliani, etc. “Modigliani” es la historia jamás contada de la ácida rivalidad entre Picasso y Modigliani, marcada por la genialidad, la arrogancia y las pasiones. Jeanne Hébuterne es una bella católica, cuyo error fue enamorarse de Modigliani, un judío. El padre de ésta, llevado por el fervor religioso, envía secretamente al hijo de Modigliani y Jeanne, a un convento lejano. Modigliani, tratando de sacar a su familia de la pobreza, se inscribe en el certamen anual de arte y Picasso, guiado por esa rivalidad, se inscribe también…

"MEDEA INSPIRACIÓN"

Alphonse Mucha (Czech, 1860-1939). Medea, 1898.
Color lithograph. 201.5 x 75 cm (79 5/16 x 29 1/2 in.).
Moravská Galerie, Brünn.








Fotographer: Rebecca Parker (Carmarthen, United Kingdom)

http://www.flickr.com/people/rebecca-parker/

Medea


Fotografía inspirada en el cartel de la obra "Medea" (1898) hecho por Alfons Maria Mucha un artista Art Nouveau ilustrador y pintor conocido por sus carteles de idealizadas figuras femeninas. Nació el 24 de julio de 1860, en Ivančice, Moravia, Imperio Austríaco y murió el 14 de julio 1939, en Praga, Checoslovaquia.

Después de la educación temprana en Moravia, y trabajar como pintor de escenarios en teatros de Viena, Mucha estudió arte en Praga, Munich y París en la década de 1880. La primera vez que llegó a ser prominente fue como el principal anunciante de la actriz Sarah Bernhardt en París. Él diseñó los carteles para varias producciones teatrales con Bernhardt, comenzando con Gismonda (1894), y diseñó escenografías y vestuario para ella también. Mucha diseñó muchos otros carteles e ilustraciones de revistas, convirtiéndose en uno de los diseñadores más importante en el estilo Art Nouveau.

Su fascinación con los aspectos sensuales de la belleza femenina, exuberantes, esos mechones de pelo, ojos de pesados párpados, y esos labios, así como su presentación de la imagen femenina como ornamental, revelan la influencia del Pre-Rafaelismo inglés, en particular la obra de Dante Gabriel Rossetti. La bravura sensual del dibujo, las líneas de latigazo cervical, imparte un refinamiento extraño a sus figuras femeninas.

Entre 1903 y 1922 Mucha hizo cuatro viajes a Estados Unidos, donde atrajo el patrocinio de Charles Richard Crane, un industrial de Chicago y eslavófilo, que subvencionó una serie de Mucha, de 20 grandes cuadros históricos que ilustran la "Epopeya de los pueblos eslavos". Después de 1922 Mucha vivió en Checoslovaquia, y donó su "Epopeya eslava" pinturas a la ciudad de Praga.

+ EN http://www.goodart.org/artofam.htm

"EL RETRATO DE EMILE FLöGE" (Los amores de Klimt)

Emilie Flöge
Autor:Gustav Klimt
Fecha:1902
Museo:Historisches Museum der Stadt Wien
Características:181 x 84 cm.
Material:Oleo sobre lienzo


Emile Louise Flogë nació el 30 de agosto de 1874 en Viena; era la cuarta hija de Hermann Flogë, artesano de la madera que prosperó gracias a las pipas de espuma de mar. Tenía dos hermanas -Pauline y Helene- y un hermano, Hermannn. Helene se casó con Ernest Klimt en 1891, por lo que Gustav contactaría con la familia en aquellas fechas, convirtiéndose en el tutor de la pequeña Helene, hija del breve matrimonio, tras el fallecimiento de Ernest en 1895. Las hermanas Flöge establecieron una tienda de modas en Viena que se convertiría en el centro de la moda vienesa, instalándose en la Mariahilfstrasse, una de las principales calles comerciales. Emile era la más vitalista de las hermanas por lo que se dedicó al diseño, viajando a París en varias ocasiones al año para comprar tejidos en las casas más prestigiosas como Chanel o Rodier. El propio Klimt elaboró algunos diseños para Emile, con la que estableció una estrecha relación.









El único retrato que conservamos pintado por Klimt de su buena amiga data de 1902, siendo presentado en la Exposición de la Secession del año siguiente. Emile aparece vestida con un elegante traje azul, adornado con formas típicamente modernistas, destacando su altura y esbeltez. En primer plano observamos una piedra en la que el pintor sitúa una placa con su firma y la fecha, recortando la figura sobre un fondo neutro. Su inteligente y seductora mirada se dirige al espectador, con gesto de seguridad al apoyar su mano izquierda en la cadera. Alrededor de la cabeza encontramos una decorativista aureola que sirve para enmarcar y resaltar el gesto de la modelo. Las tonalidades azules dominan el conjunto, contrastando con los dorados y blancos de la decoración del vestido, apuntando ya a la línea decorativista de sus últimos años.Alrededor de la relación entre Emile y Klimt se ha escrito mucho. La mayoría de los especialistas apuntan a que había algo más entre ambos que una buena amistad, llegando incluso a hablar de una relación vinculada con el amor libre que en aquellos momentos estaba empezando a florecer. Sin embargo, no existen datos que permitan apoyar estas hipótesis. Los datos reales que disponemos es que pasaban la mayoría de los veranos juntos, que se escribían continuas notas y que colaboraban en el diseño de tejidos. La tradición dice que cuando Klimt sufrió el grave ataque de apoplejía que le llevó a la muerte susurró: "Traed a Emile". Lo demás es producto de la imaginación. Se dice que la propia Emile se consideraba protagonista de El Beso y que fue la fiel amiga y amante que nunca se casó con el pintor para mantener la independencia de ambos.

La tienda de las Hermanas Flöge inició su declive hacia 1935, siendo cerrada tres años después ante la falta de clientela. En sus últimos años fue Emile y su sobrina Helene quienes sacaron adelante el negocio. Emile falleció en 1952.El retrato no fue del agrado de Emile por lo que Klimt lo vendió al Museo de Viena en 1908. La madre del pintor desaprobó la venta y exigió a su hijo que realizara un nuevo retrato que no se ejecutó.

(Emilie F. con un "vestido de verano". Serie de diez variaciones de "vestidos largos" concebidos por Klimt y su compañera)

(Probadores del "Salón de las hermanas Flöge" decorados por Josef H. y Koloman M)

"ROLLA" (MUSSET / HENRI GERVEX)

(Rolla - 1868 - Museé des Beaux-Arts - Francia)



"Rolla" es el título de una pintura del artista Henri Gervex, y es el producto del encuentro de la literatura y la pintura. También es el nombre del protagonista de una historia en verso, publicada por el autor francés Alfred de Musset en 1833.

En ese relato el joven está enamorado de Marie, quien tiene una doble llamada Marion, una cortesana frente a la que él termina subyugado.

En el cuadro podemos ver a Marion cansada y dormida, mientras él le dirige una última mirada.

Rolla gastó hasta su última moneda para estar con Marion . Sus amigos lo sabían, así como también sabían que no lo verían más con vida. Él esperó los primeros rayos del sol, se asomó por la ventana y la miró, rendida, cansada y dormida. Rolla termina envenenado en brazos de Marion.


En encuentro sexual fue imaginado así por Musset: "Volvió la mirada hacia Marion; estaba cansada y se había vuelto a dormir con un yacer profundo y sin sueños, exhausta de amar".



El poema de Musset es contundente en su final:

"Y por lo tanto, ambos huyeron de las crueldades de la suerte, la niña en el sueño, y el hombre en la muerte"

El cuadro fue presentado en el año 1868 y obviamente rechazado porser demasiado desvergonzado. El autor contaba tan solo 16 años en el momento de esta creación.

NOTA

No encuentro la obra en sí, aquí podrán leer las obras completas en francés


http://gallica.bnf.fr/ark:/12148/bpt6k2002458.r=rolla+de+alfred+de+musset.langES

"NADANDO DESNUDOS" (ANNE SEXTON)

Pintura: "Venus Anadiomene"(1838), Théodore Chasseriau


http://www.artcyclopedia.com/artists/chasseriau_theodore.html

Nadando desnudos





En el sudoeste de Capri
encontramos una pequeña gruta desconocida
donde no había nadie y
la penetramos completamente
y dejamos que nuestros cuerpos perdieran toda
su soledad.
Todo lo que hay de pez en nosotros
escapó por un minuto.
A los peces reales no les importó.
No perturbamos su vida personal.
Nos deslizamos tranquilamente sobre ellos
y debajo de ellos, soltando
burbujas de aire, pequeños
globos blancos que ascendían
hasta el sol junto al bote
donde el botero italiano dormía
con el sombrero sobre la cara.
Un agua tan clara que se podía
leer un libro a través de ella.
Un agua tan viva y tan densa que se podía
flotar apoyando el codo en ella.
Me tendí allí como en un diván.
Me tendí allí como si fuera
la Odalisca roja de Matisse.
El agua era mi extraña flor.
Hay que imaginarse una mujer
sin toga ni faja
tendida sobre un sofá profundo
como una tumba.
Las paredes de esa gruta
eran de todos los azules y
dijiste: “¡Mira! Tus ojos
son color mar. ¡Mira! Tus ojos
son color cielo”. Y mis ojos
se cerraron como si sintieran
una súbita vergüenza.





(Anne Sexton)

"EN LAS BODAS DE UNA VIRGEN" (DYLAN THOMAS)

EN LAS BODAS DE UNA VIRGEN




Al despertar, sola en una multitud de amores, cuando la luz de la mañana
sorprendía en sus ojos largos como la noche
el dorado ayer de él, dormido sobre el iris
y el sol de este día saltaba al cielo desde sus muslos
la milagrosa virginidad era tan vieja como los peces y los panes,
aunque el momento del milagro sea un relámpago sin fin
y los astilleros de las pisadas de Galilea escondan una flota de palomas.

Las vibraciones del sol ya no desearán
su almohada profunda como el mar donde una vez, a solas celebrara su boda.
su corazón todo ojos y oídos, los labios que atajaban la avalancha
del fantasma dorado que cercaba de arroyos su hueso mercurial,
el que bajo los aleros de sus ventanas alzó su dorado equipaje
porque un hombre duerme donde el fuego cayó y ella aprende a través de su brazo
ese otro sol, ese correr celoso de la sangre que no tiene rivales.




+ en Poesía Completa de Dylan Thomas

http://www.geomundos.com/cultura/poemancipado/poemas-completosdylan-thomas_doc_13343.html

"LA GRAN ODALISCA"

La gran odalisca es un cuadro de Dominique Ingres. Esta obra orientalista fué pintada en 1814. Se trata de un cuadro al óleo de forma apaisada, que mide 91 centímetros de alto y 162 de ancho. Actualmente se conserva en el Museo del Louvre de París, en Francia.

Este cuadro fue encargado por Carolina, hermana de Napoleón y reina de Nápoles, como un pendant, esto es, cuadro que forma pareja con otro, en este caso, otro desnudo. Se expuso en el Salón de París de 1819.

Recostada voluptuosamente en un diván, con una pose que recuerda a Madame Récamier, de David, de la que Ingres pintó los accesorios. Se retrata a la mujer vuelta de espaldas, pero girando la cabeza hacia el espectador.

Aparecen en la obra accesorios que le dan su toque oriental: el abanico, el turbante y la pipa. Con gran precisión refleja la textura de las telas.

Los críticos de la época resaltaron ciertos defectos, como el ser particularmente larga. En efecto, esta odalisca está dotada de tres vértebras suplementarias. El pintor es enteramente consciente de ello. Sacrifica la verosimilitud por el efecto y combina cinco modelos diferentes. Ingres desea pintar una belleza individualizada. Ha retomado aquí el estilo serpentino y el irreal alargamiento de los miembros propio del manierismo.

Debe señalarse que Ingres visitó Florencia y ya había descubierto las pinturas italianas. Se ve notablemente la influencia de Rafael en las curvas de esta obra y en la dulzura del rostro.

En cuanto al cromatismo, los críticos acusaron a Ingres de usar una gama cromática leve y monótona. No obstante, esa era una decisión consciente del pintor, que consigue un gran preciosismo a través del uso del azul en las cortinas, combinado con el rojo, el blanco y el dorado.

(Julianne Moore modelo de la "La Odalisca", en la fotografía de Michael Thompson para la Vanity Fair Magazine)

"VENUS RECOSTADA"

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Photography: Veronique July

www.veroniquejuly.com/
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A la manera de Diego Velazquez en su pintura "La venus del espejo".

Recostada en unas sábanas de color gris vemos una mujer desnuda, de espaldas que se observa en un espejo. El espejo es sostenido por un niño desnudo, apoyado en la misma cama. Los personajes son Venus, diosa de la belleza, y su hijo Cupido, dios del amor. El espejo nos permite contemplar el rostro de la diosa que en un principio estaba oculto.
Como todas las pinturas desde el Renacimiento hasta el siglo XIX, el espacio ilusorio que se encuentra más allá del plano del lienzo está configurado mediante la perspectiva: el espectador ve lo que ocurre como si estuviera al otro lado del cuadro. Y aquí vemos un cuadro dentro de otro cuadro, Venus que observa a Venus, nosotros que la observamos, dentro o fuera de éste cuadro, como ud quiera.

"DANAE"

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Title: La esencia de Klimt
Magazine: Ae

Photographer- Moises González

Art Direction, digital art, illustrated and Styling- Kattaca (www.kattaca.com )


Make up artist- Yurema Villa (www.yuremavilla.es )
Hairdresser- Raul Zarco


From Painting:

"Danaë by Gustav Klimt", painted 1907. Private Collection, Vienna

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"La Lluvia Dorada, Dánae"

Autor:Gustav Klimt

Fecha:1907

Museo:Galería Welz

Material:Oleo sobre lienzo

Estilo: Una de las obras más famosas de Klimt está inspirada en la mitología griega, temática no muy habitual en la producción del maestro vienés -Leda es otro de los escasos ejemplos-. Danae era hija de Acrisio, rey de Argos. El oráculo había pronosticado que el hijo de Danae mataría a Acrisio, por lo que éste encerró a su hija en una torre de bronce, al cuidado de una anciana y alejada del mundo. Sin embargo, Acrisio no pudo evitar que su hija fuera seducida por Zeus, quien convertido en lluvia de oro, engendró en Danae el hijo no deseado por Acrisio. El recién nacido sería llamado Perseo y cuando el rey conoció la noticia, encerró a su hija y su nieto en un cofre y los arrojó al mar, siendo recogidos en la isla de Séfiros por Dictis, hermano del tirano Polidectes. A pesar de evitar la muerte a manos de su nieto, Perseo acabó con la vida de Acrisio, aunque fuera de manera accidental.Klimt elude las referencias clásicas del Renacimiento y el Barroco -Tiziano o Rubens- al presentarnos a la joven Danae de manera aislada, sin ninguna referencia espacial, rodeada de elegantes y decorativas telas que enmarcan su curvilínea silueta. La postura de Danae acentúa el erotismo y la sexualidad del momento de la seducción, recibiendo en su sexo la lluvia de oro que permitirá el engendramiento de Perseo. Las formas redondeadas -características del modernismo- y el color dorado aumentan la erotización del asunto, convirtiendo el maestro el desnudo en un elemento decorativo, según algunos especialistas. Como bien dice J.M. Palmier: "La sensualidad y lo erótico están presentes por doquier; pero aquellas mujeres semidesnudas, aquellos cuerpos dormidos, habían sido aceptados por la burguesía y la aristocracia vienesa". En efecto, sus cuerpos desnudos nunca provocarán gran polémica, si exceptuamos las obras de la Universidad y el Friso Beethoven. El sueño se ha apoderado de la joven y se presenta totalmente aislada del espectador. Para algunos críticos se puede interpretar como que Klimt ya no se siente amenazado por la mujer.Estilísticamente, destacaría la delicadeza de líneas gracias a su acertado dibujo, el empleo de tonalidades brillantes y el contraste de la piel dorada de Danae frente a las telas oscuras que la rodean. La línea sinuosa domina la composición, desapareciendo toda referencia espacial y eliminando la sensación de perspectiva tradicional. El resultado es una obra cargada de belleza que se ha convertido en símbolo de una época.

"Judith and the Head of Holofernes"

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Title: La esencia de Klimt
Magazine: Ae

Photographer- Moises González

Art Direction, digital art, illustrated and Styling- Kattaca ( http://www.kattaca.com/ )


Make up artist- Yurema Villa (www.yuremavilla.es )
Hairdresser- Raul Zarco


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"Judith and the Head of Holofernes", 1901. Belvedere, Vienna


"Judith I y la cabeza de Holofernes"

Autor:Gustav Klimt
Fecha:1901
Museo:Österreichische Galerie Wien
Material:Oleo sobre lienzo


Estilo: La representación tradicional de Judith como heroína, tras cortar la cabeza de Holofernes, deja paso a una imagen erótica y sensual en esta composición realizada por Klimt. Como si de un objeto sexual se tratara, la joven seductora se nos presenta semi-desnuda, dejando ver uno de sus senos mientras que el otro se cubre con una delicada y transparente tela negra. La cabeza de Holofernes apenas tiene protagonismo en la composición, reforzando así la idea de mujer fatal que estaba surgiendo en la Europa de principios del siglo XX. Los especialistas consideran esta figura como una muestra más de la emancipación femenina que se estaba desarrollando en aquellos momentos, emancipación que los hombres consideraban amenazadora, pudiendo desembocar en una eliminación sistemática de lo masculino como ocurre en el episodio bíblico. También se apunta a una unión de muerte y sexualidad, asociación que estaba fascinando a toda la Europa que acudía a los teatros a contemplar y deleitarse con la "Klytemnestra" de Richard Strauss, especialmente el propio Klimt y a Sigmund Freud. Estas ideas parecen reforzarse en la imagen de Judith II, realizada ocho años después. El decorativismo habitual del art-nouveau se adueña de la composición, sustituyendo el fondo por elementos dorados que recuerdan las decoraciones bizantinas. El panel de oro también alcanza a las joyas que adornan a la heroína y el velo que cubre en parte su desnudo cuerpo. Las líneas sinuosas que eran del gusto del maestro dominan la composición, eliminando la perspectiva tradicional al situar la figura en primer plano y renunciar al fondo. El sensual rostro de Judith goza de un realismo casi fotográfico, realismo que será muy apreciado por las damas de la burguesía vienesa de estos primeros años del siglo XX que Klimt retrató de manera excelente. No debemos olvidar la importancia de los marcos en la obra del pintor vienés, que se convierten en una obra total, en línea con las ideas de un amplio grupo de la Secession.

"ADÁN Y EVA"

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Title: "La esencia de Klimt"

Magazine: Ae

Photographer: Moises González

Art Direction, digital art, illustrated and Styling- Kattaca ( http://www.kattaca.com/ )


Make up artist- Yurema Villa ( http://www.yuremavilla.es/ )

Hairdresser- Raul Zarco



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Ésta serie fotográfica está basada en "Adán y Eva"

de Gustav Klimt


Fecha:1917-18

Actualmente en el Österreichische Galerie Wien

"El 11 de enero de 1918 Gustav Klimt sufrió un ataque de apoplejía que le llevó al hospital, donde falleció el 6 de febrero. En su estudio quedaron algunas obras sin finalizar, entre ellas Adán y Eva en la que, evidentemente, la figura femenina adquiere mayor protagonismo. Eva aparece en primer plano, representada como una joven vienesa de líneas redondeadas y sensuales, retomando el tema de la "femme fatale" que tantas veces Klimt había utilizado en sus composiciones. Tras ella contemplamos a Adán, con los ojos cerrados y la cabeza torcida, asumiendo el triunfo de la mujer de líneas sinuosas. Incluso podemos apreciar una diferencia cromática entre ambas figuras ya que Eva tiene una piel más clara, diferencia que Klimt tomó de las cerámicas antiguas.En la zona baja de composición nos encontramos con un ramo de flores, en la línea del decorativismo habitual de esta época, recordando el efecto caleidoscópico que presentan otras obras como La virgen o El bebé. Schiele planteó tras la muerte de Klimt que se conservara su estudio de Hietzing tal y como lo había dejado el pintor fallecido, pero la escasez de viviendas tras la posguerra motivó que el estudio acabara convertido en un bloque de pisos".

"LA BAILARINA"

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* Title: La esencia de Klimt

* Magazine: Ae

* Photographer- Moises González

* Art Direction, digital art, illustrated and Styling- Kattaca ( http://www.kattaca.com/ )


* Make up artist- Yurema Villa http://www.yuremavilla.es/

Hairdresser- Raul Zarco


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"En esta composición Klimt hace una readaptación del retrato de Ria Munck, convirtiéndose en una de sus imágenes más atractivas y llenas de encanto de sus años finales. La figura de la joven aparece en el centro de la composición, con una colorista bata que permite contemplar su pecho al descubierto, cargando así de sensualidad y erotismo al retrato. A su lado observamos una mesa baja adornada con un jarrón de flores, flores que se multiplican por el espacio como observamos tras la bailarina, que incluso lleva una vara en su mano. El fondo de la estancia es un papel pintado típico del arte japonés, mostrando así la influencia de la estampa japonesa en estos trabajos. Esta influencia de lo oriental ya se empezó a manifestar durante el impresionismo, en artistas como Manet, Monet o Van Gogh, reforzándose con Gauguin y su afición hacia lo exótico. La ausencia de perspectiva y la bidimensionalidad que se manifiesta en la escena son elementos tomados del arte japonés, dando la sensación de que los elementos están pegados a la superficie de la tela. Incluso la alfombra que vemos junto a la mesa parece levantarse del suelo y asemejarse a un collage típicamente cubista. De esta manera, Klimt demuestra claramente que su arte no se estanca y que evoluciona con el tiempo, eso sí, siempre mostrando grandes dosis de decorativismo, ahora gracias al color.En esta última etapa, llamada por algunos especialistas caleidoscópica, el lienzo se inunda de diversas tonalidades, generalmente colores puros, que recuerdan a los mosaicos bizantinos de Ravena, admirados por el artista. El color deja en un segundo plano a la línea sinuosa que define todos y cada uno de los contornos, eliminando casi de su repertorio la línea recta. La Virgen o el retrato de Eugenia Primavesi son algunas de las obras realizadas en este estilo final".

"EL BESO"

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Title: La esencia de Klimt

Magazine: Ae

Photographer- Moises González

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"El beso"

Autor:Gustav Klimt
Fecha:1907-08
Museo:Österreichische Galerie Wien
Características:180 x 180 cm.
Material:Oleo sobre lienzo







Estilo: La obra más famosa de Klimt es El Beso, exhibida por primera vez en la Exposición de Arte de 1908 junto a Las Tres Edades de la Mujer. En esa muestra se titulaba Los Amantes y fue adquirida al finalizar la exposición por el ministro de Educación, doctor Marchet, para la Galería Austrica, lo que fue interpretado como un "excelente servicio a nuestro arte moderno" por Ludwig Hevesi. La obra recibió una entusiasta crítica desde el primer momento, convirtiéndose en uno de los símbolos de la Secession, a pesar de estar ya roto el grupo.Las figuras de los amantes están representadas ante un fondo dorado que enlaza con los iconos bizantinos y rusos. La pareja se abraza ante un reducido prado repleto de florecillas, siendo difícil interpretar si están arrodillados o de pie. Ese prado finaliza de forma brusca, como si el pintor quisiera situar a los amantes al borde del precipicio. La pareja se enmarca también con una aureola dorada, vistiendo ambas figuras de ese color, adornadas sus vestimentas con rectángulos negros y grises el hombre -interpretados por Schorske como un símbolo fálico- y círculos de colores el de la mujer. El ceñido vestido nos presenta claramente las formas femeninas, dejando ver piernas, hombros y brazos, sujetándose la joven con los dedos de los pies para evitar el precipicio. Su cabeza presenta una escorzada postura, inclinada hacia atrás y vuelta de lado, mirando hacia la perspectiva del espectador a pesar de sus ojos cerrados. El hombre también presenta una escorzada postura, sujetando con sus manos la cabeza de la amada, dejando ver sólo la cabeza coronada de flores. Su ancho cuerpo y su actitud de dominio son dos elementos claves en la composición, interpretada por buena parte de los especialistas como una escena protagonizada por el propio Klimt y su buena amiga Emile Flöge.Quizá el elemento más extraño sea el precipicio, símbolo de peligro al que podía dirigirse la relación, por lo que la mujer se aferra con sus pies a la pradera. El gesto de la mujer también ha sido interpretado como rechazo ante la agresión al que la somete el hombre, intentando evitar el dominio masculino sin un resultado positivo. ¿Podríamos considerar, en este caso, una muestra del "fracaso" de la lucha femenina por la emancipación que ya se estaba dando en aquellos momentos?Sin embargo, a lo largo de la carrera de Klimt se repite esta temática en varias ocasiones: El Amor, la Filosofía, el Friso Beethoven, el Friso Stoclet, interpretándose como el símbolo de la reconciliación de los sexos, sin personalizar en la figura del artista y Emile.Estilísticamente, nos encontramos en la obra que corona la llamada "fase dorada", etapa dominada por el decorativismo en la que las líneas sinuosas se adueñan del conjunto. La perspectiva tradicional tiende a desaparecer ante el empleo de la bidimensionalidad. Como si de un caleidoscopio se tratara, Klimt emplea sucesivas piezas de colores que recuerdan a los mosaicos de Ravena por los que el maestro sentía especial admiración. El resultado es una obra con la que el maestro alcanza el cenit de su arte.

"LA FRANCIA DE LOS VICIOS"

:VIDEO:

Jean-Honoré Fragonard

(Ver éstas imágenes me recordaron el arte Rococó, en especial la pintura "El cerrojo")

(5 de abril de 1732 – 22 de agosto de 1806) pintor francés.

"Mäda Primavesi"

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* Title: La esencia de Klimt

* Magazine: Ae

* Photographer- Moises González

* Art Direction, digital art, illustrated and Styling- Kattaca ( http://www.kattaca.com/ )


* Make up artist- Yurema Villa http://www.yuremavilla.es/

Hairdresser- Raul Zarco

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De la píntura "Mäda Primavesi"(1912)
de Gustav Klimt


* Metropolitan Museum (N.Y)



"Mäda Gertrude Primavesi nació en Olmütz el 22 de diciembre de 1903. Realizó estudios de enfermería y en 1945 emigró a Canadá, donde fundó un hogar de niños convalecientes en Montreal, convirtiéndose en su directora. Sin embargo, ella siempre mantuvo contacto con Viena. Cuando abandonó Austria llevó consigo el retrato que Klimt había pintado de su madre hasta que lo vendió en 1987. Mäda falleció el 25 de mayo de 2000, privándonos no sólo del último modelo superviviente del pintor sino de una de las últimas fuentes para conocer la personalidad del artista.La familia del banquero Otto Primavesi sintió una especial admiración por la pintura de Klimt. El artista visitaba con frecuencia la residencia de los Primavesi en Olmutz (Moravia). Con ciertas dificultades, el maestro acabó este retrato de Mäda justo a tiempo para la Navidad de 1913, siendo exhibido públicamente por primera vez al año siguiente, en Roma. Tras la ruina de la familia, el lienzo fue posiblemente vendido en los últimos años de la década de 1920.Klimt nos presenta a la niña de nueve años en pie, vistiendo un vaporoso traje blanco que sobrepasa sus rodillas, adornado con una cenefa de flores a la altura del pecho. Medias, zapatos y lazo del mismo color son los complementos que nos muestra el pintor con perfecta maestría, relacionándose con los retratos de Whistler. Tras ella, y a modo de la estampa japonesa, podemos observar dos zonas de color para representar la estancia. La pared se pinta de rosa con flores de colores que parecen presentar relieve mientras que el suelo se cubre con una alfombra con motivos animales y florales, también en sintonía con el arte japonés, como habían hecho Monet y Van Gogh. El decorativismo de otras obras de este momento -La Virgen o La Bailarina- se ve limitado para presentarnos a Mäda a la manera de una adulta, interesándose el pintor por el contraste cromático, en sintonía con los artistas fauvistas. La mirada inteligente y desafiante de la joven se convierte también en uno de los elementos más importantes del retrato".

"LA BALSA DE LA MEDUSA"

Estilo "La balsa de la Medusa" (1819)

la pintura romántica del pintor francés Théodore Géricault.

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PHOTO:Mark Squires

www.marksquiresphoto.com/

Magazine: L’Officiel

Editorial: Raft

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"La historia del barco francés "Medusa" fue uno de los sucesos más espeluznantes de Francia. El barco naufragó frente a las costas africanas y un pequeño grupo de los pasajeros sobrevivió gracias a una balsa. En mitad del mar, un barco de la marina francesa avistó a los náufragos pero no los recogió. Los supervivientes fueron presas del hambre, la sed, la insolación y las enfermedades. Murieron muchos y el resto sobrevivió comiendo los restos de los cadáveres. Finalmente, un carguero los encontró y devolvió a Francia. Su historia fue censurada por el gobierno, que impidió que se conociera en la prensa. Géricault realizó este cuadro para dar a conocer el hecho, y tras dos años en que se prohibió que lo expusiera la público, finalmente se ofreció al Salón Oficial y causó un tremendo escándalo social. Géricault planteó un cuadro de casi cinco metros de alto y más de siete metros de ancho. Hizo numerosos bocetos y estudios previos sobre cadáveres y restos humanos sacados de cementerios y ejecuciones públicas. La escena recoge el momento en que los náufragos avistan la fragata que no los recogerá. Los personajes componen toda una galería de las expresiones posibles, desde la desesperación más absoluta del anciano que da la espalda al barco, pasando por los primeros atisbos de la esperanza hasta llegar al entusiasmo desbordado de los hombres que agitan sus camisas al horizonte. La visión es completamente dantesca, con la balsa medio deshecha por el oleaje, los cuerpos de los muertos, putrefactos, mutilados, desperdigados por la balsa... Como dato curioso señalaremos que el joven hombre muerto que sostiene el anciano del manto rojo es el retrato de Delacroix, íntimo amigo de Géricault. A su vez, Delacroix le correspondió retratando a Géricault como uno de los muertos en el infierno que cruza su Barca de Dante. La Balsa de la Medusa fue el cuadro insignia del movimiento romántico francés, por su tono apasionado y tétrico, con el hombre desconocido como protagonista absoluto de la historia".